Arte y Sociedad - Cuestionario

Lenguaje Artístico - Collage Through

En un pequeño valle escondido entre un lejano bosque había una Villa de hadas que vivían muy alegres todas juntas, menos una. Cathline era un hada de los deseos y aunque era feliz con su trabajo no encontraba del todo sentido a su vida, se sentía diferente porque no veía la vida como las demás hadas. Siempre veía a través de un pequeño agujero que se había formado en su capa protectora y se preguntaba que hay más allá de lo que está acostumbrada si vista. Así que una noche decidió escapar, salió de la seguridad de su valle y a pesar de los riesgos que corría no le importo, aventurándose a encontrar aquello que le faltaba.

Durante toda la noche estuvo volando por el bosque hasta que en un momento se dio cuenta que el sol comenzó a salir y vio unas gotitas las cuales eran el rocío de la mañana. Cathline curiosa bajo a jugar con las hojas, disfrutó de cada tamaño y forma, pero en un momento a lo lejos divisó una que tenía un pequeño agujero. Se acercó a la hoja y vio a través del agujero mirando un mundo totalmente diferente, le gustó tanto lo que vio que pensó 'quizás eso es lo que necesito, ver el mundo desde otra perspectiva'. Sin embargo, a lo que quiso irse se dio cuenta que no podía llevarse la hoja con ella y se puso muy triste, pero no tuvo más remedio que irse y dejarla ahí.

Mientras seguía su camino, volaba y a ratos daba saltitos entre las ramas de los árboles. Ella estaba feliz, se detenía a oler las flores y a apreciar sus colores, pero escucho un sonido y asustada subió hasta la copla del árbol donde se escondió y a través de las ramas intento ver que había provocado el sonido.

A lo lejos alcanzó a ver a una persona, pero como no veía bien se acercó y vio a un hermoso joven alto, con una blanca sonrisa y unos churros en los cuál enredó su mirada. Hipnotizada, voló hacia ellos y vio a través de esos hermosos rizos. Mientras observaba vio sus sueños, anhelos y deseos, pero se dio cuenta de que la única forma de que se hagan realidad era mirar a través de sus ojos, así que con el corazón roto se alejó para descubrir el mundo y empezar su historia.

Lenguaje Artístico - Collage Naturaleza

En una ocasión, en un hermoso día soleado se encontraba un cielo totalmente despejado que se confundía con el color del mar, pero de repente una obscuridad lo envolvió unas nubes grises pintaron todo el entorno y pronto se empezó a ir el sonido del agua al caer. Cuando comenzó a llover, las gotas de lluvia estaban emocionadas por el viaje que cada una iba a recorrer pensaban en cuál sería el lugar que conocerían. 

La primera en caer llegó a una gigantesca enredadera y estaba asombrada por cómo como sus tallos se enredaban entre si, y aunque no fue mucho el tiempo que estuvo ahí lo disfrutó siguiendo su camino.

La que cayó después se topó con un hermoso arbusto de hojas estrellada y un color muy vivo, lo que la emocionó y se sintió feliz, sin embrago sabía que tenía que continuar su camino y sin dudarlo dejó que la gravedad haga su trabajo.

La última pensó que no conocería nada ya que mientras caía no se encontró nada en su camino, hasta que sintió una superficie plana que tenía como pequeños ríos y con forma de laguna, este lugar era nuevo para ella pero su encuentro con ese nuevo lugar fue efímero ya que debido a su forma no hubo quien pare su caída.

Cada una al finalizar su camino llegaron, con suerte, al mismo charco y emocionadas empezaron a contar los lugares en los que estuvieron esta vez mientras esperaban que vuelva el sol para otra vez empezar su ciclo.

Lenguaje Artístico - Collage Mochila

Arte y Sociedad - Postimpresionismo

Paul Cézanne

Pintor francés. Comenzó sus estudios en el colegio Bourbon de su ciudad natal. Prosiguió en la escuela de dibujo y posteriormente se matriculó, por influencia paterna, en la facultad de derecho, aunque pronto comprendió que su verdadera vocación era la pintura. Instaló su primer estudio en la casa de campo de su padre, hasta 1861. Se inscribió en la Academia Suiza para preparar el examen de ingreso en la de Bellas Artes.

Sintiéndose incapaz de pintar, regresó a Aix y aceptó un empleo en el banco de su padre, pero en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura. Allí reanudó su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Pissarro. Gracias al contacto con este último, Cézanne daría un giro radical en su estilo, desligándose de toda norma académica y de la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba.

Se convenció de la importancia de pintar al aire libre, y, tras volver nuevamente a París en 1872, realizó una colección de paisajes en Louveciennes junto a Pissarro y otros artistas que inauguraron su denominado «período impresionista». En 1878 se estableció casi permanentemente en Provenza, alcanzando progresivamente la madurez expresiva que iba a configurar uno de los estilos más representativos e influyentes del arte del siglo XX.

El primer Salón de Otoño de 1904 le dedicó una sala de forma exclusiva, en lo que sería un acontecimiento fundamental para el devenir de las primeras vanguardias y una especie de reconocimiento casi póstumo, pues el artista moriría apenas dos años después. Dicha exposición confirmó a Cézanne como el padre de cubistas y fauvistas, y ejerció un gran impacto sobre artistas como Picasso, Braque o Derain.

Obras:

Les joueurs de cartes                                                    

                                                            Le panier de pommes

                                                                                                                 Les Grandes Baigneuses 

 

Tolouse-Lautrec

Pintor neoimpresionista, nació en Albi en 1864. Fue miembro de una familia aristocrática francesa. 

La deformidad debido a fracturas que no sanaron bien tuvo una fuente constante de infelicidad y amargura para Toulouse, le llevó al agudo alcoholismo que será la causa de su temprana muerte.

Desde su niñez mostró gran afición por el dibujo, especialmente de animales, por lo que sus padres le pusieron un profesor, René Princeteau, quien le aconsejó inscribirse en el estudio del pintor académico León Bonnat. Más tarde, en 1883, entró en la academia privada de Cormon, donde coincide con Emile Bernard y Vicent van Gogh. Finalmente, abandona el estudio de Cormon e instala su propio estudio en el corazón de Montmartre, en el mismo edificio en el que trabaja Degas.

Apenas practicó el paisaje, se decantó por los seres vivos, sobre todo por la figura humana en movimiento. Hace un uso expresivo y no sólo descriptivo del dibujo. Tiene una gran capacidad para captar la psicología de sus personajes, seres humanos en movimiento, gestos individualizados, bailes, etc.

En 1889 se inaugura en París el Moulin Rouge. La relación del pintor con el "Moulin Rouge" será especial al convertirse en uno de sus mejores clientes. Inmortalizó el local en numerosos carteles en los que figuran las grandes estrellas del cabaret y del cancán, aunque las más habituales fueron Jane Avril, Yvette Guilbert y sobre todo Louise Weber, llamada "La Goulue". Para todas ellas realizó una fantástica serie de carteles utilizando la litografía en colores. Los dos últimos años de su vida suponen un sorprendente cambio de estilo hacia una paleta más oscura y empastada.

Obras

La Blanchisseuse

Moulin Rouge: La Goulue

Dressage des nouvelles par Valentin-le-Désossé

Amedeo Modigliani

Pintor italiano. Nació el 12 de julio de 1884 en Livorno, en el seno de una familia judía de pequeños comerciantes, a causa de su salud precaria hubo de renunciar a una educación convencional, y fue entonces cuando empezó a estudiar pintura en su ciudad natal (en la escuela de Bellas Artes, con Guglielmo Micheli), y posteriormente en las de Florencia y Venecia. En 1906 se trasladó a París, donde frecuentó los círculos artísticos y literarios (fue amigo de Maurice Utrillo y de Pablo Picasso) y recibió notables influencias de Henri de Toulouse-Lautrec, Picasso, Georges Braque y Paul Cézanne. Sus primeras pinturas dejan sentir la influencia de los macchiaioli, pero posteriormente le interesó el movimiento modernista y el de la secesión, además del arte primitivo. En 1908 presentó cinco cuadros en el Salón de los Independientes, entre ellos La judía (colección Alexandre, París).

 Al reducir o en ocasiones eliminar el claroscuro, consiguió una solidez en la imagen plana, similar a la escultórica. Aunque fue uno de los maestros del retrato del siglo XX, Modigliani no era un retratista profesional. Tienen sus obras un aire familiar en su elegancia y alargamiento, pero al mismo tiempo reproducen la personalidad del retratado con gran agudeza. Entre sus retratos cabe mencionar los de Kisling, Paul Guillaume, Zborowsky y el de una de su amantes, Beatrice Hastings, titulado Madame Pompadour.

En 1917, minada ya su salud por el alcohol y las drogas, comenzó una serie de desnudos femeninos que se encuentran entre sus mejores obras. Ese mismo año comenzó una relación con la pintora Jeanne Hébuterne, con la que tuvo una hija. Fue también un período brillante para su pintura, que se hizo cada vez más refinada de líneas y delicada de color. Modigliani murió tuberculoso en el Hospital de la Caridad de París, el 24 de enero de 1920. 

Desde 1915 hasta 1920, año de su muerte, Modigliani realizó su obra más significativa, constituida mayoritariamente por retratos y desnudos femeninos. Los retratos son a menudo de amigos y personajes conocidos como Max Jacob (1916) o Jacques Lipchitz y su mujer (1917), pero frecuentemente representan a personajes anónimos como La criadita (1916). Sus múltiples desnudos femeninos, como Desnudo rojo con los brazos abiertos (1917, Kunsthaus, Zurich) rebosan una sensualidad lánguida y complacida; la línea que perfila los cuerpos es sutil, melodiosa y elegante; los ojos almendrados de los rostros dotan a las figuras de una mórbida melancolía que recuerda a Botticelli.

Obras:

Desnudo acostado

                                                                 La Femme à l'éventail

                       Gitana con niño

Paul Gauguin

Nació en parís, a los tres años sus padres emigran a Perú y durante el viaje muere su padre. Allí vivió junto a su madre cuatro años hasta que deciden regresar a Francia. Se casó con Mette Sophie, una joven danesa de familia acomodada, tuvieron cinco hijos y llevaron una confortable vida burguesa. Hacía poco que se había casado cuando se convirtió en pintor aficionado. Conoció a Pisarro y en 1879 expuso con los impresionistas, participando después en las cuatro últimas exposiciones del grupo. Coleccionó cuadros de Manet, Monet, Renoir y Degas, sus pintores favoritos eran Cézanne y Pisarro, de quienes sus primeras obras presentan claras influencias.

Su carrera financiera quedó interrumpida en 1882 por la crisis bursátil y decide entregarse por completo a la pintura. La penuria económica le hace abandonar París en 1886, refugiándose en Pont-Aven, un pueblecito de Bretaña, donde conoce al pintor Charles Laval. Deseoso de romper con todas sus fatalidades, Gauguin envía a su hijo a Dinamarca y emprende viaje a Panamá junto con su amigo. Esta es su primera incursión en el exotismo, pero una enfermedad le obliga a volver a París en 1887, donde conoce a Van Gogh. Juntos pasarán un tiempo en Arles, pero al no haber entendimiento entre ambos, Gauguin regresa a Bretaña.Contacta con Emile Bernard, quien le adentra en el Sintetismo, que supone un cambio radical con respecto al impresionismo. Le hace partícipe en el uso del color, apostando por las áreas planas sin matizar y remarcando los contornos. Lo que hay que pintar es la idea que elabora el pintor después de su experiencia, quitando lo superfluo y reteniendo la esencia. Así se consigue la síntesis de forma y color. 

Gauguin se alejó de la cultura de Occidente y procuró integrarse en la vida local. Se familiarizaría con los indígenas e incluso tomó como compañera a una de ellas, se habituó a sus costumbres y se esforzó por comprender su religión. En el plano artístico, se basó en los elementos del folclore de la isla, observando las cosas que veía e intentando ir más allá de ellas. Su paleta se enriqueció con colores puros y cálidos creando un vocabulario personal y un estilo lleno de simbolismo, cobrando gran fuerza expresiva. La luz pierde importancia a favor de la exaltación del color, principio en que se basa años después el fauvismo. La fascinación de sus cuadros radica en las amplias zonas de colores y en sus figuras grandes, contorneadas de manera nítida. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras y la sensación de plano es igual que en las pinturas japonesas.

Obras:

Nafea Faaipoipo

Le Christ jaune

Femme de Tahiti ou sur la plage

Georges Seurat

(París, 1859 - id., 1891) Pintor francés. Ingresó muy joven en el taller de Lehmann, donde aprendió las teorías acerca de la luz y el color inspiradas en el clasicismo de Ingres. Más tarde participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes, que agrupaba pintores de nuevas tendencias como el neoimpresionismo o puntillismo, corriente de la que fue el iniciador. Seurat llevó al límite la experiencia impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz, empezó a pintar mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus características esenciales. En un lapso de siete años realizó sus cuadros más importantes: Un baño en Asnières (1884), Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (1886), su obra maestra, y Parada del circo (1888), entre muchas otras. Los aspectos técnicos de su obra influirían en los fauves, y sus rigurosos estudios teóricos, en los cubistas.


Georges Seurat

El estudio científico del color y la sistemática división de las tonalidades cromáticas fueron los principios esenciales que inspiraron la metódica búsqueda de los autodenominados pintores neoimpresionistas o puntillistas. Estos artistas llevaron a sus últimas consecuencias los planteamientos que, de modo más intuitivo, habían desarrollado los impresionistas. Interesado por los avances en el estudio del color (realizados por Eugène Chevreul, Charles Blanc y Oden Rood), Georges Seurat experimentó en torno a fenómenos ópticos, como la descomposición de la luz o el efecto de intensificación de la percepción producido por la presencia simultánea de colores complementarios.

Para poder plasmar la visualización pictórica de estos principios, Georges Seurat realizó una disminución progresiva de la pincelada hasta reducirla a pequeños puntos de colores puros, sin mezclar, que al fundirse en la retina del que contempla el cuadro producen un efecto de gran luminosidad e intensidad cromática. La lectura de los autores citados y sus propias investigaciones con las "mezclas ópticas" lo llevaron a buscar la plasmación de colores secundarios brillantes (por ejemplo, el verde) por medio de colores primarios (azul y amarillo) que no están realmente mezclados sino próximos, de modo que es el ojo humano el que, a cierta distancia, percibe el color buscado. Paul Signac, en su libro De Delacroix al neoimpresionismo, reveló los secretos de esta técnica, que parte del principio de que el color negro no existe en la naturaleza y que, por ello, consigue los tonos grises sin recurrir al mismo. El "puntillismo", designación que no era del agrado de sus creadores, toma el nombre de los puntos y rayas cortas yuxtapuestas que componen la trama de esta pintura.

Las ideas de Seurat fueron seguidas por Signac; ambos se conocieron en el Salón de los Independientes de París del año 1884, lugar en que exponían los pintores aún desconocidos, a los que la Academia Francesa no reconocía suficiente calidad para exponer en la muestra oficial. En 1885 se les unió Camille Pissarro; los tres pintores formaron el núcleo del grupo que sería luego conocido con el nombre de neoimpresionistas o puntillistas. Al igual que los impresionistas, buscaban expresar las calidades esenciales de la luz y el color. Pero a pesar de apuntar a objetivos similares, estos dos movimientos pictóricos se contraponían.

El impresionismo había conferido a la pintura nuevas libertades. Había ensanchado la paleta con tonos frescos, radiantes; se trataba de evadir las convenciones de cualquier escuela, de abolir las inhibiciones a la hora de pintar. Los impresionistas se liberaron del exceso de contemplación y razonamiento constructivista al uso: pretendían captar el momento fugaz, su transitoriedad, sus matices cambiantes. Los puntillistas reaccionaron contra esta fugacidad. En vez de una aproximación instintiva, de unos procedimientos más o menos improvisados, ellos querían encontrar una técnica razonada, normativa, perenne. Seurat había estudiado cuidadosamente a los clásicos (Poussin, Delacroix, Ingres y otros), para conceder finalmente la mayor importancia a la composición: ésta había de ser, según él, meticulosa en extremo. Sus teorías de cómo tenían que situarse los pequeños puntos de color para crear los distintos matices se basaban en los más recientes descubrimientos acerca de la luz y la visión.

La influencia del puntillismo fue amplia, pero de corta duración, pues lo estricto de las reglas chocaba con la sensibilidad propia de cada artista. Además, las ideas en sí mismas eran difíciles de llevar a la práctica y la teoría dejaba muchos problemas sin resolver. Cuando los pequeños puntos no lograban fundirse, producían el mismo efecto que un mosaico. Sin embargo, aun cuando el puntillismo fuera rápidamente abandonado, obtuvo muchos logros, entre los que se cuenta el de propiciar la creencia de que el arte debía apoyarse en el conocimiento científico, idea que, de algún modo, condujo al nacimiento del cubismo (Picasso, Georges Braque) y del arte abstracto (Kandinsky, Piet Mondrian).
El inicio del neoimpresionismo o puntillismo puede datarse en 1883, cuando Georges Seurat, animado por la aceptación de dos de sus obras en el Salón de aquel año, realizó una extensa serie de dibujos y bocetos con motivo de la presentación de Un baño en Asnières (1883-1884, National Gallery, Londres) para el Salón de 1884. La obra, a pesar de que era una composición armoniosa realizada con suma minuciosidad, fue rechazada y presentada posteriormente en el primer Salón de Artistas Independientes.

Con Un baño en Asnières, Seurat pretendió compararse a los impresionistas, afrontando un tema bastante común entre ellos: el recreo al aire libre. Los efectos lumínicos, como el reflejo del cielo en el agua, son tratados con sumo detalle, y la importancia del volumen y sus contornos, así como lo premeditado de la composición, nos remiten a Piero della Francesca. Del mismo modo que Cézanne, Seurat tiende a la realización de elementos geométricos, aunque elegantemente estilizados. Su manera de realizar la pintura fue también totalmente diferente de la de los impresionistas: trabajó la escena en su estudio durante un largo período de tiempo, y utilizó tanto apuntes realizados en forma impresionista como dibujos cuidados y casi académicos para cada detalle del cuadro, incluyendo las ropas de los bañistas dejadas en el suelo. El resultado es una pintura de permanente y clásica calidad, en que cada línea, cada color, están calculados con precisión científica y donde no hay nada accidental.

En la octava y última exposición impresionista (1886), Seurat presentó, con gran éxito, otra obra ambiciosa: Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (1884-1886, Art Institute, Chicago). En la época en que Georges Seurat pintó este lienzo, las clases parisienses más respetables acudían las tardes de los domingos a la isla de la Grande Jatte, en el río Sena, para pasear. Tras muchas horas de observación y numerosos bocetos del lugar (se conocen sesenta estudios y bocetos de esta obra), Seurat inmortalizó uno de esos momentos.

Su esquema compositivo es más complejo que el de Un baño en Asnières, dada la necesidad de integrar armónicamente cuarenta personajes en un amplio paisaje. En esta obra monumental, el pintor radicalizó su propuesta al contraponer un espacio escalonado frente al esquema bidimensional de las figuras, cuyos perfiles están nítidamente delimitados. En la obra aparece algún elemento simbólico, como el mono del primer plano que, a pesar de ser una mascota corriente en la época, tradicionalmente se ha presentado como la personificación del erotismo. La tela ejercería una gran influencia en algunos artistas coetáneos suyos, como el holandés Vincent Van Gogh.
En La parada (1888, Metropolitan Museum, Nueva York), Seurat representó un espacio nocturno iluminado por luz de gas, bajo una atmósfera densa y tenebrosa. En esta ocasión las formas geométricas deshumanizan a los personajes, dotándolos de cierta rigidez arcaizante. En general, su obra se caracteriza por sus figuras hieráticas que nos recuerdan, en cierto modo, la escultura egipcia y a Piero della Francesca. Sus cuadros son un claro rechazo de la pintura de carácter "romántico" cultivada por Manet, y su obra estableció las premisas de lo que más tarde sería el fauvismo y el cubismo.

Obras:

Un baño en Asnières

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte

La parada

Bibliografia:

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Paul Cézanne. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/cezanne.htm el 25 de febrero de 2020.

Henri de Toulouse-Lautrec. (2020). Recuperado el 25 Febrero de 2020, de https://www.arteespana.com/henridetoulouselautrec.htm

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Amedeo Modigliani. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/modigliani.htm el 25 de febrero de 2020.

Henri de Toulouse-Lautrec. (2020). Recuperado el 26 Febrero de 2020, de https://www.arteespana.com/henridetoulouselautrec.htm

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Georges Seurat. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/seurat.htm el 25 de febrero de 2020.

Arte y Sociedad - En Nombre de la Rosa (analisis critico)

En Nombre de la Rosa

Guillermo Baskerville y Adso de Melk visitan la Abadía en busca de las pista tras el asesinato de uno de los monjes de este lugar. La historia se lleva a cabo en una Abadía Benedicta en Los Apeninos, ubicado en el Norte de Italia.

Como personajes principales de El nombre de la rosa, tenemos a Guillermo Baskerville el hombre al cual le dieron la tarea de investigar los crímenes que ocurrieron en ese lugar. Este personaje se muestra valiente, inteligente, muy hábil y astuto. El cual logro descifrar el misterio, tras su estadía en el lugar. Sirvió a la iglesia como inquisidor.

Adso de Melk, el hombre que vemos junto a Guillermo, su fiel discípulo. Era un joven hijo de un noble  Austriaco. Este acompaña a Guillermo hasta el ultimo momento. Adso narra la historia como narrador omnisciente en primera persona de esta famosa novela.

Jorge de Burgos, que es una persona a la cual vemos muy misteriosa desde el principio, Es un monje español, de cabello blanco, muy anciano y ciego. Fue el exbibliotecario, pero este poseía un libro el cual ocultaba de todos. Es un hombre que vemos que es capaz de matar a cualquiera valiéndose de este libro envenenado.

La lengua y los dedos manchados de negro de las victimas intrigan a Guillermo, ya que este sospecha que es envenenamiento. Guillermo quería investigar en la biblioteca ya que como estaba prohibido su acceso, sabia que allí podría  encontrar la respuesta.

Guillermo logra a entrar en este lugar para averiguar que había y al principio se encuentra con un laberinto y al final un espejo que este no sabe como abrirlo. Cuando  Guillermo al fin logra abrir el espejo se encuentra con Jorge, que les da el libro, pero Guillermo se coloco unos guantes. Este era un libro prohibido, comico, pero escrito con tinta envenenada.

Este anciano era el responsable de todos las muertes, ya que esta escrito con tinta envenenada. Lo utilizaba para que todos lo que tuvieran tentación de leerla murieran envenenados.

Arte y Sociedad - Taj Mahal (Analisis)

Taj Mahal - Análisis 

El Taj Mahal se encuentra considerado como una de las Maravillas del Mundo. Este imponente edificio es conocido debido a la historia de amor que esconde. Encargado por el emperador Sha Jahan, fue construido para honrar a su esposa preferida, Mumtaz Mahal, que murió el día 17 de junio de 1631 tras dar a luz al último de sus 14 hijos. Cuentan las crónicas que el gobernante entró en una depresión tan profunda que “su pelo se volvió blanco y tuvo que llevar gafas para ocultar las lágrimas”. Decidió, entonces, erigir un grandioso edificio de carácter funerario que encargó al arquitecto Ustadh Ahmad Lahori, ingeniero, astrónomo y matemático del que poco hablan las fuentes, debido a que el mismo emperador quiso atribuirse la mayor parte del papel en la edificación del mausoleo. En cambio, de quien sí hablan las crónicas oficiales es de Makramat Kan, el ministro de trabajos públicos, y de Mir Abd Karim, mencionándolos como responsables de la ejecución de las obras.

El edificio se encuentra formando parte de un conjunto que, en su mayoría, integran unos magnificentes jardines. La planta responde a una estructura del tipo persa chahar bagh amurallada, es decir, un jardín dividido en cuatro partes, de manera que todo apunta y conduce al imponente mausoleo. Esta estructura no sigue, aun así, los modelos estrictamente tradicionales: en el centro de la planta, es decir, del jardín, se sitúa un estanque en lugar del tradicional pabellón central, que queda situado en uno de los extremos. Además, en vez de situar portales en los extremos de los ejes transversales, tal y como era habitual, se construyen distintos pabellones. 

Aparte del famoso mausoleo del Taj Mahal, nos encontramos con otras edificaciones de importancia como son una sala dedicada a la recepción de invitados y una mezquita funeraria al oeste. El conjunto se encuentra rematado también por otras construcciones funerarias dedicadas a otras mujeres del emperador, lo que nos lleva a intuir que se trataba de un complejo dedicado más que a una de las esposas, de carácter exclusivamente funerario, a las damas de la corte real en general, “un monumento para mujeres”. La entrada se efectúa por el portal sur, que se encuentra junto a una plaza, Jilau Khana, que comprendía también el Mumtazabad, una zona comercial de bazares y caravasares que contribuía a la financiación del mantenimiento del lugar y demás gastos asociados (sueldos, ceremonias del aniversario de la muerte de Mumtaz Mahal...)

Vista del conjunto y sus jardines

El mausoleo principal, realizado en mármol blanco de Makrana y edificado sobre un gran pedestal, se encuentra en el extremo norte del gran parque, junto a la orilla del río Yamuna, en el que se refleja. Esto conjuga las máximas del arte islámico en general con el local hindú, que otorgan tradicionalmente una enorme importancia a los efectos del agua, en la que se refleja la arquitectura, llevando a cabo efectos que colaboran a acrecentar la magnificencia del conjunto.

Se trata de un edificio constituido por cuatro fachadas idénticas rematado por su enorme y famosa cúpula bulbosa de tipo amrud, finalizada en un remate que nos recuerda a aquellos de las pagodas asiáticas. Un hecho curioso es que, a pesar de que ésta se encuentra rematada por una media luna, motivo tradicional islámico, su disposición en forma de tridente nos hace recordar a la deida hindú Shiva.






La decoración es enormemente rica y se encuentra constituida por elementos arquitectónicos como son una serie de arcos y hendiduras situadas por todo el mausoleo, así como por elementos puramente ornamentales como son los motivos decorativos que llenan el edificio. Una exquisita caligrafía puebla el mausoleo, recitando versos del Corán y plasmada de manera que se apreciara perfectamente (visualmente hablando) mediante efectos ópticos que consistían en aumentar o disminuir las letras según la distancia con respecto al espectador. Los motivos florales también son de destacada excepcionalidad, destacando la flor de loto, las rosas, los narcisos y demás, que se encontraban ricamente elaborados con piedras semipreciosas. En el interior, se emplean también la orfebrería e incluso la joyería, decorando los espacios ricamente en torno al lugar central del conjunto, el cenotafio de Mumtaz Mahal y Sha Jahan.

Bibliografia

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Arte y Sociedad - La Eneida de Virgilio (Resumen)

La Eneida 

Resumen

En el mar Mediterráneo, Eneas y sus compañeros troyanos huyen de su ciudad natal de Troya, que ha sido destruida por los griegos. Navegan hacia Italia, donde Eneas está destinado a fundar Roma. A medida que se acercan a su destino, una tormenta feroz los desvía del rumbo y los lleva a Cartago. Dido, fundador y reina de Cartago, les da la bienvenida. Eneas relata a Dido la larga y dolorosa historia de los viajes de su grupo hasta el momento.

Eneas habla del saqueo de Troya que puso fin a la Guerra después de diez años de asedio griego. En la campaña final, los troyanos fueron engañados cuando aceptaron en las murallas de su ciudad un caballo de madera que, sin saberlo, albergaba a varios soldados griegos en su vientre hueco. Él cuenta cómo escapó de la ciudad en llamas con su padre, Anchises; su hijo, Ascanius; y los dioses del hogar que representan su ciudad caída.

Asegurado por los dioses que un futuro glorioso lo esperaba en Italia, zarpó con una flota que contenía a los ciudadanos sobrevivientes de Troya. Eneas relata las pruebas que enfrentaron en su viaje. Dos veces intentaron construir una nueva ciudad, solo para ser expulsados ​​por malos presagios y plagas. Las arpías, criaturas que son en parte mujeres y en parte aves, las maldijeron, pero también se encontraron inesperadamente con amigos compatriotas.

Finalmente, después de la pérdida de Anchises y un terrible clima, se dirigieron a Carthage. Impresionado por las hazañas de Eneas y simpatizante de su sufrimiento, Dido, una princesa fenicia que huyó de su casa y fundó Cartago después de que su hermano asesinó a su marido, se enamora de Eneas. Viven juntos como amantes durante un período, hasta que los dioses le recuerdan a Eneas su deber de fundar una nueva ciudad.

Él determina zarpar una vez más. Dido está devastado por su partida, y se mata al ordenar que se construya una enorme pira con las posesiones náufragas de Eneas, trepando sobre ella y apuñalándose con la espada que Eneas deja atrás. Como los troyanos hacen para Italia, el mal tiempo los lleva a Sicilia, donde tienen juegos funerarios para los Anquises muertos. Las mujeres, cansadas del viaje, comienzan a quemar los barcos, pero un aguacero apaga el fuego.

Algunos de los cansados ​​de viajar se quedan atrás, mientras que Eneas, revigorizado después de que su padre lo visita en un sueño, se lleva el resto hacia Italia. Una vez allí, Eneas desciende al inframundo, guiado por la Sibila de Cumae, para visitar a su padre. Se le muestra un desfile de la historia futura y los héroes de Roma, que lo ayuda a comprender la importancia de su misión. Eneas regresa del inframundo y los troyanos continúan por la costa hasta la región de Latium.

La llegada de los troyanos a Italia comienza pacíficamente. El Rey Latino, el gobernante italiano, extiende su hospitalidad, esperando que Eneas resulte ser el extranjero que, según una profecía, se supone que su hija Lavinia se casará. Pero la esposa de Latinus, Amata, tiene otras ideas. Ella quiere que Lavinia se case con Turnus , un pretendiente local. Amata y Turnus cultivan enemistad hacia los troyanos recién llegados.

Mientras tanto, Ascanius caza un ciervo que era una mascota de los pastores locales. Se desata una pelea y mueren varias personas. Turnus, montando esta corriente de ira, comienza una guerra. Eneas, por sugerencia del dios del río Tiberino, navega hacia el norte por el Tíber para buscar apoyo militar entre las tribus vecinas.Durante este viaje, su madre, Venus, desciende para darle un nuevo juego de armas, forjado por Vulcano.

Mientras el líder troyano está fuera, Turnus ataca. Eneas regresa para encontrar a sus compatriotas enredados en la batalla. Palas, el hijo del nuevo aliado de Eneas, Evander, es asesinado por Turnus. Eneas se enfurece violentamente, y muchos más mueren al final del día. Las dos partes acuerdan una tregua para poder enterrar a los muertos, y los líderes latinos discuten si continuar la batalla.

Deciden evitar cualquier carnicería innecesaria proponiendo un duelo mano a mano entre Eneas y Turnus. Cuando los dos líderes se enfrentan, sin embargo, los otros hombres comienzan a pelear, y se reanuda la batalla a gran escala. Eneas es herido en el muslo, pero eventualmente los troyanos amenazan a la ciudad enemiga. Turnus sale corriendo para encontrarse con Eneas, quien hiere a Turnus gravemente. Eneas casi salva a Turnus, pero, al recordar al asesinado Pallas, lo mata en su lugar.

Arte y sociedad - Analisis de la pelicula de Caligula

Analisis de Caligula

Al ver la película pude notar ciertas cosas que me llamaron la atención, como por ejemplo la vida desenfrenada que ellos llevaban, una vida llena de excesos sobretodo en el ámbito sexual. Se puede ver que era normal y muy común. También se puede apreciar como Caligula va cayendo en la locura desde que su tio le menciona lo que le espera al subir al trono, la traicion, los asesinatos, etc.

Caligula llega a convertirse en un hombre tan despiadado que no le importa matar, ni torturan en su nombre, claro tomando en cuenta que en la época era normal infundir miedo para mantenerse en el poder. Sin embargo se puede ver como se da un golpe de estado y matan a toda la familia de Calígula para no dejar descendencia.
En fin es una buena película muy cruda, porque nuestra la realidad de la epoca, los engañó, las traiciones, el sexo, el exceso, sus maneras muy peculiares de divertirse considero que es una película que muestra muy bien la época y la realidad que vivían.

Mira la pelicula

Pelicula de Caligula (uncut)

Arte y Sociedad - Mito Griego (análisis)

Mito Griego de Atalanta

Mito de Atalanta

Análisis

Dentro de este mito podemos notar como Atalanta, se daba su lugar sin importarle el resto de la gente. Ella sabia que era buena en algo y no dejo que la intimidaran de hecho lo saco a relucir, y a pesar que sabían cual seria su castigo si no ganaban igual lo intentaban lo que quiere decir que ella tenia buena reputación y lo valia. 

Arte y Sociedad - Danza, Música y Teatro Griego

Danza, Musica y Teatro Griego

Danza Griega

Se remontan muchos años antes de su aparición y tienen lugar en Creta. Según Homero fue en Creta donde los dioses enseñaron la danza a los mortales. Los cretenses al depender mucho menos de los cánones religiosos, la fantasía creada podía manifestarse con mayor libertad que en Egipto o Mesopotamia. Creta nos muestra un cuadro lleno de vida colorista y alegre, el arte expresa alegría de vivir, buena vida y el lujo de los autócratas y pequeña aristocracia. La danza intervenía en la liturgia oficial. Las ceremonias religiosas eran muy diversas y consistían en danzas, canciones y procesiones solemnes en las que el papel dominante lo sustentaba la mujer que se ocupaba de los diferentes roles: eran bailarinas, cantoras, procesionistas, sacerdotisas. Cuando la danza era individual, las bailarinas evolucionaban girando sobre ellas mismas, doblando a veces las rodillas. 

El interés de los griegos por cualquier forma de arte nació en muy temprana época y su origen fue religioso, aunque fue secularizándose y buscaron en las representaciones artísticas y religiosas una motivación y placer estéticos. El arte griego puede caracterizarse someramente por la búsqueda la belleza, el equilibrio y la armonía. La danza, aunque su legado nos ha sido trasmitido indirectamente a través de textos y pinturas o relieves, tuvo también una considerable importancia, ya que se baila ha en ritos religiosos, ceremonias cívicas, fiestas, vida cotidiana, educación de los niños, etc. Era considerado un don divino y una forma de comunicarse con los dioses y es en el mito del nacimiento de Zeus donde muchos escrito resituaron sus comienzos: Cronos, amenazado por su madre Gea, se comía los hijos que le daba Rea a medida que nacían. Cuando Rea fue a dar a luz su sexto vástago se escondió en una caverna y tomando una piedra la envolvió en pañales y la entregó a Cronos como si fuera su hijo y él no notó el engaño. El pequeño Zeus creció en Creta confiado a la custodia de la ninfa Amaltea y de dos jóvenes guerreros armados de lanza y escudo, llamados los Curetas, que danzaban sin descanso un baile guerrero en tomo la gruta haciendo el mayor ruido posible, entrechocando armas y lanzando gritos de guerra con la finalidad de que los vagidos del niño no fuesen advertidos por Cronos. Probablemente el mito surgió del rito de la danza guerrera en donde los bailarines imitaban la actividad atribuida en la montaña y en el cielo a los demonios de la tempestad.

Los que danzaban para la diversión de los grandes señores solían provenir de la esclavitud, mientras que los jóvenes libres, hijos de ciudadanos, participaban en las fiestas religiosas. No obstante, la danza de divertimento se fue dignificando y hacia el siglo V la practicaban indistintamente esclavos y ciudadanos libres. Saber bailar era cualidad muy apreciada en cualquier profesión y estamento social; para los filósofos era un medio para mantener un bello cuerpo y una buena fuente de salud, además de un buen sistema pedagógico para jóvenes. Los griegos desarrollaron una estética y una técnica de la danza y gustaban de representarla pues, dejando de lado la danza cretense, tenemos ya entre las esculturas arcaicas varias escenificaciones de pasos de danza. La danza, como espectáculo y en sus diferentes modalidades, nacieron a la par que la literatura, del teatro y de la lírica. La lírica griega era culta, no popular, se acompañaban de música y danza y constituía antes un espectáculo que una lectura. 

Música Griega 

Los orígenes de la música son tan antiguos como el ser humano. No obstante es a partir del surgimiento de las grandes civilizaciones cuando encontramos una música refinada como atestiguan los documentos históricos. En Mesopotamia los músicos gozaban de gran prestigio y fueron los primeros en desarrollar una incipiente notación musical basada en signos cuneiformes. En Egipto la danza y la música tenían gran importancia y utilizaban ya una escala de siete notas como nuestra escala actual. En el antiguo Oriente se empleaban escalas pentatónicas; la música estaba muy ligada a la religión. En los libros sagrados de la India existen muchas alusiones a los instrumentos de la época. De la música de los hebreos sabemos por las referencias escritas en la Biblia (Cantar de los cantares). La formas básicas de la liturgia hebrea se van a coger como modelos en la música religiosa de la Edad Media, tanto en la Misa como en el Oficio Divino. La forma de salmodiar (cantar).

En la época griega es donde se comienza a tener una información de la música más relevante. Así, en este periodo encontraremos los primeros documentos musicales conservados. No obstante, tampoco vamos a encontrar demasiadas fuentes de música como tal, pero si acudimos a las pinturas, a las esculturas y a determinados textos escritos que se han conservado, podemos hacernos una idea de cómo era la música griega. La razón más probable de que se conserven tan pocas partituras es que la música se transmitía de forma oral, se memorizaba y se improvisaba de acuerdo a unos modelos. Se sabe que las tragedias los actores y el coro cantaban, lo que con el tiempo (alrededor del 1600 en el Barroco) daría lugar al nacimiento de la ópera.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA GRIEGA

La música griega es monódica, esto no quiere decir que canten a una sola voz, sino que todas las voces cantan a la vez. Incluso los instrumentos acompañaban imitando al cantante, en ocasiones realizaban pequeños adornos a modo de improvisación y a esta técnica se le conoce con el nombre de "heterofonía".

La forma de notación griega era alfabética, las alturas del sonido se representan mediante letras del alfabeto griego. El ritmo lo reflejan mediante los pies métricos, utilizados en la poesía, que son unos signos (rayas, puntos o semicírculos), colocados sobre las letras, que indican combinaciones de valores cortos y largos

El sistema musical griego se basa en los modos. Parten de las cuatro cuerdas de la lira, que ellos denominan tetracordo. Uniendo dos tertacordos obtienen una sucesión de ocho notas descendentes que se denominan modos (podríamos decir que son el origen de las actuales escalas). Cada modo comienza con una nota distinta y dependiendo de ésta, variaba la distribución de los tonos y semitonos. Podemos destacar cuatro modos principales.

Teatro Griego

El Teatro griego fue pionero en representaciones teatrales, las que se desarrollaban al aire libre, con danzas y música, en festivales religiosos en honor al dios Dioniso. En un principio se trataba más de una serie de representaciones de carácter religioso que de la puesta en escena de relatos o poemas. El teatro comenzó como rituales de campesinos y pastores para honrar a Dionisio, dios de la agricultura y del vino. Se trataba de cantos corales que imitaban a los animales y a los ruidos del bosque, donde moraba este dios, ajeno al Panteón oficial. Las obras se representaban al aire libre en una tarima, cerrada por un muro al fondo, y galerías escalonada al frente, en semicírculo. 

Los relatos del teatro griego se dividen en dos grandes grupos: las comedias narran el choque de las clases sociales en clave burlesca, mientras que la tragedia el choque de los dioses con la humanidad. En el Teatro griego solamente actuaban hombres, los que solían llevar una máscara, peluca y túnica, en colores vivos para los personajes principales, en color negro para los personajes tristes y en colores neutros para la gente del pueblo. Algunos actores calzaban coturnos (zuecos), para simbolizar la superioridad de los personajes en la obra. El uso de las máscaras era un ritual, aunque también era útil para reducir el número de actores y para aumentar el volumen de sus voces. El Coro era una de las partes más importantes en el Teatro griego y consistía en un grupo de hombres que cumplían varios roles que influían sobre el desarrollo del drama. Con el tiempo, el coro en el teatro griego fue perdiendo importancia, limitándose a acompañar la obra y marcar la separación entre los distintos episodios.

Bibliografia:

"Teatro Griego". Autor: Julia Máxima Uriarte. Para: Caracteristicas.co. Última edición: 30 de septiembre de 2019. Disponible en: https://www.caracteristicas.co/teatro-griego/. Consultado: 20 de enero de 2020.

"TEMA: ORÍGENES DE LA MÚSICA. GRECIA". Autor: doctor gradus ad parnassum. (2020). Recuperado 20 de enero de 2020, de https://sites.google.com/site/doctorgradusadparnassum/Home/3o-eso/inicios-de-la-musica-occidental-grecia/tema-origenes-de-la-musica-grecia

"Danza Griega". Autor: Bibliodanza. Para: ciudaddeladanza.com. Disponible en: http://www.ciudaddeladanza.com/bibliodanza/danzas-antiguas/la-danza-en-grecia.html. Consultado: 20 de enero de 2020.